Tendencias del arte contemporáneo. Panorama desde el centro

Pedro da Cruz 

El cuerpo de un tiburón flotando en formol, conejos fosforescentes, un caballo embalsamado colgado del techo, una enorme figura de cachorro cubierta de flores, montones de vasos de plástico o chupetines, una cama desarreglada. Obras como las mencionadas confunden a un público que durante las últimas décadas asiste a diversos eventos artísticos, especialmente a los visitantes que lo hacen con la idea de apreciar arte plástico como pintura, escultura, dibujo y grabado. Ante las nuevas formas de expresión, la pregunta más recurrente ha sido si dichas obras, muchas veces inmateriales, pueden ser consideradas arte. Los más críticos se preguntan a su vez si las innovaciones son prueba del papel renovador y subversivo del artista, o resultado de las exigencias de un mercado ávido de novedades y nuevas obras en las que invertir. Preguntas similares han sido formuladas repetidas veces, y las respuestas apuntan, con un alto grado de consenso, a que la legitimación del arte depende del contexto. Sobre la legitimidad del arte ya es tradicional referirse a la actitud de Marcel Duchamp, quién envió al jurado de un Salón un urinario que tituló Fuente (1917), lo que lo convirtió en precursor de la idea de que el artista decide lo que es arte, y lo presenta como tal.

    Como parte de una reflexión sobre la cultura de nuestro tiempo, aparecen constantemente publicaciones que intentan ordenar y explicar el complejo panorama del arte contemporáneo de las últimas décadas del siglo XX, fundamento del arte de nuestros días. Uno de los más recientes libros de estas características es Arte & Hoy, de Eleanor Heartney, crítica estadounidense que colabora como editora con las revistas de arte Art in America y Artpress, y también autora del libro Postmodernism: Movementes in Modern Art

Tara Donovan, Sin título (Vasos de plástico), 2006

ÉRASE UNA VEZ. En el razonamiento de Heartney, el trasfondo del arte contemporáneo se remonta a dos figuras fundamentales del mundo del arte de Estados Unidos: Alfred Barr y Clement Greenberg.

    Barr, primer director del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, publicó Cubism and abstract art en 1936. En la tapa del libro un diagrama representaba la evolución del arte moderno por medio de flechas que explicaban la creación de nuevos movimientos a partir de los anteriores, una visión generativa en la que el posimpresionismo daba origen al cubismo y el futurismo, mientras que del futurismo se derivaban el constructivismo, la Bauhaus y la abstracción geométrica.

    Greenberg, uno de los críticos de arte más influyentes del siglo XX, publicó hacia 1940 dos ensayos en los que planteó la teoría del “formalismo”, según la cual el arte modernista debería romper definitivamente con la ilusión de origen renacentista. El arte expresaría entonces un ideal de “pureza”, gracias al cual la pintura y la escultura serían expresiones exclusivas de sus cualidades intrínsecas, libres de toda asociación a referencias externas al campo del arte. Greenberg fue el paladín de la autonomía del modernismo de posguerra, impulsor del expresionismo abstracto, especialmente de la obra de Jackson Pollock, y luego del minimalismo.

    Pero el evolucionismo y el formalismo, junto a otras teorías, fueron cuestionados con el surgimiento de los movimientos que conformarían el llamado posmodernismo. Se produjo entonces un cambio de paradigma: de la autonomía del arte modernista a un tipo de arte influido por una serie de fenómenos sociales, políticos y culturales, en el que la figura del artista ocupa un lugar central, con obras que refieren a experiencias y tomas de posición personales.

    Sobre los cambios que derivaron en el posmodernismo, Heartney escribió en la introducción de Arte & Hoy: “El verdadero quid de la cuestión es que el arte ya no puede concebirse como un fenómeno aislado que sigue sus propios imperativos ajeno al mundo exterior. Tampoco puede entenderse como un conjunto de ramas brotadas de un tronco común. Críticos e historiadores  deben asumir que el arte surge como respuesta a fuerzas externas (cambios tecnológicos, por ejemplo, o la influencia de la cultura popular), así como en respuesta a los dictados de la historia del arte o su deshilachamiento.”

Jeff Koons, Puppy, 1992

COMPLEJO PANORAMA. El método de trabajo usado por la autora consiste en relacionar un abanico de expresiones del arte contemporáneo con una serie de temas, a cada uno de los cuales dedica uno de los dieciséis capítulos del libro. Así escribe sobre identidad, cuerpo y política, tópicos generalmente relacionados al posmodernismo, pero también sobre tiempo, naturaleza, espiritualidad, y objetos cotidianos. Algunas de las categorías elegidas podrían ser acompañadas o sustituidas por otras. A ello se suma la característica de la historia del arte como una disciplina reduccionista, que trata de clasificar en categorías y movimientos una gran variedad de obras. Lo que es especialmente difícil en el caso de los artistas contemporáneos, que trabajan en distintas áreas simultáneamente, por lo que pueden ser encuadrados en varias de las categorías preestablecidas.

    La autora comienza cada capítulo con una corta introducción histórica en la que relaciona el tema del capítulo a la obra de artistas modernistas considerados precursores en dicho tema. Luego continúa con el análisis de una serie de obras que considera relacionadas con él. En general es reproducida una sola obra de cada artista mencionado, lo que da una visión muy limitada de la trayectoria de los mismos.

    Heartney es conciente de que es muy difícil, debido a la amplitud y diversidad del conjunto, poder dar una visión totalizadora del arte contemporáneo: “Pese a abarcar un ámbito temático y geográfico amplio, Arte & Hoy no pretende ser una reseña exhaustiva de todas las corrientes artísticas y los artistas contemporáneos. Este libro expone una serie de mininarrativas que aúnan grupos de artistas contemporáneos a la luz de su relación con un concepto más amplio. Los ensayos en sí pretenden ser más sugerentes que exclusivos, y las clasificaciones son porosas, lo cual explica que en ocasiones un artista aparezca en más de un capítulo. De hecho, muchos otros creadores podrían haber habitado esos mismos textos. Necesariamente, este principio organizativo selectivo ha conllevado que algunos artistas contemporáneos destacados hayan quedado fuera de estas páginas, por el simple hecho de que no encajaban en ninguna de las narrativas planteadas.” 

ARTISTAS REFERENTES. Los dieciséis temas que la autora relaciona con el concepto de arte son: cultura popular, objeto cotidiano, abstracción, representación, narrativa, tiempo, naturaleza y tecnología, deformidad, cuerpo, identidad, espiritualidad, globalización, arquitectura, instituciones, política y público. En cuanto a los temas del cuerpo y la identidad (género, etnicidad, y orientación sexual) Heartney hace las obligadas referencias a fotógrafos como Robert Mapplethorpe, Andrés Serrano y Cindy Sherman, las pintoras Marlene Dumas y Chris Ofili, la realizadora de videos Shirin Neshat, así como las artistas visuales Marina Abramovic y Barbara Kruger.

    En otras áreas estudiadas la autora presenta obras de artistas menos reconocidos. En el área Arte & objeto cotidiano incluye por ejemplo una obra de Tara Donovan, compuesta por miles de vasos de plástico apilados, que iluminados desde arriba aparentan un extraño paisaje lunar. Y una instalación de Doris Salcedo compuesta por 1.550 sillas apiladas en un baldío entre dos edificios de Estambul. En Arte & narrativa son mencionadas obras de Sophie Calle, quién recopila datos de personas desconocidas, les toma fotos, y muestra los resultados sin consultar a los implicados.

    Otra área interesante es la dedicada al tema Arte & globalización, con la presencia de países emergentes en el arte contemporáneo como China, con obras de los artistas Chen Zhen, Cai Guo-Qiang, Xu Bing y Wenda Gu, aunque un referente del arte chino contemporáneo como el realizador de videos Zhang Huan es mencionado en el tema Arte & cuerpo. En Arte & arquitectura son analizadas obras de Gordon Matta-Clark, Rachel Whiteread y Tadashi Kawamata, artistas que trabajan respectivamente con deconstrucción de edificaciones (casas cortadas), volúmenes arquitectónicos no habitables, y estructuras de madera relacionadas a edificios ya existentes. El tema Arte & tiempo está naturalmente relacionado a un “relato”, a la sucesión y transformación de las imágenes, rasgo intrínseco de un medio como el video, con obras de destacados realizadores como Bruce Nauman, Tony Oursler, Nam June Paik, Pipilotti Rist y Bill Viola. 

Zhang Huan, Mi América (Difícil de aclimatizarce), 1999

CENTRO Y PERIFERIA. A pesar de que varias de las expresiones artísticas que han confluido en el posmodernismo han cuestionado el hasta entonces vigente orden mundial en la escena del arte, según el cual los valores del arte modernista eran considerados valores universales, se puede aún hablar de una relación centro-periferia. El posmodernismo es caracterizado como un movimiento multicultural y policéntrico, pero la cantidad de artistas activos, un mayor poder adquisitivo, el más importante mercado de arte, y distintos tipos de apoyo, contribuyen a que la dominación de Estados Unidos y los países de Europa Occidental sea prácticamente total. Los artistas estadounidenses son los más promocionados, a lo que se suma el hecho de que muchos artistas provenientes de otros países se radican en Estados Unidos. Otro círculo de artistas cuyas obras son observadas por los actores del centro son los que, en general, participan en numerosas bienales de arte: a las de Venecia y San Pablo se les han sumado, entre otras, las de El Cairo, Estambul, Johannesburg, La Habana, Porto Alegre y Shanghai.

    Todos estos factores inciden en los criterios de selección de un libro como Arte & Hoy. Si se lo analiza con la perspectiva de países que son considerados la periferia del mundo del arte, y específicamente América del Sur, de los casi cuatrocientos artistas mencionados poco más de una decena proviene de la región: los precursores brasileños Hélio Oiticica y Lygia Clark (fallecidos en 1980 y 1988 respectivamente), los también brasileños Eduardo Kac, Jac Leirner, Cildo Meireles y Vic Muniz, el argentino Fabián Marcaccio, los chilenos Alfredo Jaar y Eugenio Dittborn, el peruano Sammy Cucher y los colombianos Fernando Botero y Doris Salcedo. También debe tenerse en cuenta que los artistas nombrados tienen distinto grado de reconocimiento, siendo algunos de ellos quizás sólo mencionados por participar en alguna exposición internacional. Si se considera el ámbito latinoamericano, deben sumarse los mexicanos Enrique Chagoya, Alma López, Gabriel Orozco y Guillermo Gómez-Peña, los cubanos José Bedia, Tania Bruguera, Guillermo Calzadilla, Félix González-Torres, Alexis Leiva, Ana Mendieta y Jorge Pardo, y el puertorriqueño Pepón Osorio.

    Las variaciones en el criterio de elección son evidentes en el tema Arte & política, en el que se incluye una obra de un artista como Botero (de una reciente serie sobre las torturas infligidas a los reclusos en la prisión iraquí de Abu Ghraib), quién hasta ahora no había tenido una trayectoria como artista que reflejara la política en sus obras, mientras que obras de contenido claramente político de Dittborn y Meireles son incluidas en el tema Arte & globalización.

    Es creíble que la mayoría de los autores que se hubieran propuesto escribir un libro de las características de Arte & Hoy, tendrían que haber sorteado las mismas dificultades a las que se enfrentó Heartney, quién, con interesantes puntos de vista y una innovadora amplitud de temas, logra presentar un interesante panorama de la trama de significados sobre la que se basa el arte de nuestro tiempo. Aunque para algunos autores el arte posmodernista – cuyos orígenes se remontan a fines de los 60 – ya comienza a mostrar signos de agotamiento, por lo que quizás pronto aparezcan expresiones de un arte que en las próximas décadas pueda ser caracterizado como pos-posmoderno. 

ARTE & HOY, de Eleanor Heartney. Londres, Phaidon Press, 2008. Distribuye Océano. 440 págs.

El País Cultural. No. 1011, 27 de marzo de 2009, Montevideo, Uruguay

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Una respuesta a Tendencias del arte contemporáneo. Panorama desde el centro

  1. david chaves dijo:

    me encantan las nuevas propuestas y espero ansioso la llegada
    del arte post- postmoderno

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