Robert Rauschenberg (1925-2008). La energía inagotable

Pedro da Cruz

En varias oportunidades se ha considerado que el arte del siglo XIX estuvo vigente hasta 1907, año en que Picasso pintó Las señoritas de Avignon, obra determinante para el desarrollo del arte del siglo XX. De forma similar, el fallecimiento del artista norteamericano Robert Rauschenberg en mayo de 2008 puso punto final a un siglo de auge y superación del modernismo, un proceso estrechamente ligado a los aportes de este artista excepcional que mostró el camino a los creadores contemporáneos.

    A comienzos de los años 50, cuando la escena artística de Estados Unidos estaba dominada por los expresionistas abstractos, que se basaban en la gestualidad y la expresión de la personalidad del artista, Rauschenberg – entonces un joven estudiante de arte – comenzó a practicar un arte basado en lo cotidiano, en el que no revelaba su personalidad ni sus sentimientos. Mientras Jackson Pollock y Willem de Kooning creaban obras en las que el espectador podía “leer” el proceso de creación en la superficie de las pinturas, Rauschenberg realizó en 1952 una serie de obras que pintó con un negro compacto sobre un fondo de papel de diario arrugado, las llamadas black paintings. Tenía una actitud muy desprejuiciada en cuanto a la utilización de los materiales: todo le servía para crear sus obras.

    El uso de objetos cotidianos, y el papel que daba al observador en la legitimización del sentido de su arte, fueron razones para que el conjunto de su obra – junto a la de Jasper Johns, con quién mantuvo una intensa relación artística y sentimental entre 1954 y 1961 – fuera considerado un movimiento artístico en sí: el neodadaismo. El neologismo se refiere a la recreación de ciertos aspectos del dadaísmo, movimiento creado por el escritor rumano Tristan Tzara en Zurich en 1916, y especialmente al arte y la actitud de Marcel Duchamp, quién al inventar los ready-mades elevó objetos fabricados industrialmente (como el orinal que título Fuente en 1917) a la categoría de arte.

    Además de crear obras que fueron consideradas nuevas categorías artísticas, los combine paintings, en las que combinó elementos de la pintura y la escultura, Rauschenberg fue muy creativo al usar distintas técnicas, al combinarlas e incluso al inventar nuevos métodos de trabajo. Sus actividades rebasaron los límites de determinada técnica o estilo, lo que hasta entonces no era común para un artista: fue pintor, escultor, grabador, fotógrafo, actor, coreógrafo, escenógrafo, compositor, y realizó instalaciones y performances. Borró los límites entre las categorías, especialmente en sus performances; fue multidisciplinario, una actitud que luego se generalizó entre los artistas de la época posmoderna. 

BLACK MOUNTAIN COLLEGE. Rauschenberg nació en 1925 en Port Arthur, un puerto petrolero de Texas donde según el artista: “era fácil crecer sin nunca ver un cuadro.” Bautizado como Milton Ernest (una vez adulto cambió su nombre a Robert), era descendiente por parte paterna de un inmigrante alemán y una aborigen cherokee, mientras que su madre era de origen anglosajón. Creció en un hogar conservador de clase media en el que no se cultivaban intereses artísticos, pero realizó el servicio militar en San Diego, California, donde vio cuadros en un museo por primera vez.

    Luego de estudiar Historia del arte, escultura y música en el Kansas City Art Institute, y pintura en la Académie Julian de París, se radicó en Nueva York en 1949. Un año más tarde se casó con la pintora Susan Weil, a quién había conocido mientras ambos estudiaban en París, y en 1951 nació su único hijo, Christofer. A partir de 1949 Rauschenberg estudió alternadamente en dos de las escuelas de arte más significativas para la formación de una nueva generación de artistas en Estados Unidos: The Art Students League de Nueva York (donde fue alumno de Vaclav Vytlacil y Morris Kantor) y el Black Mountain College en Carolina del Norte.

    Esta última era una escuela experimental que funcionó entre 1933 y 1957, donde las ideas del modernismo fueron combinadas con ideas de creadores interesados en desarrollar el arte de la performance. Entre los profesores se contaban artistas europeos que se habían radicado en Estados Unidos a consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, como Josef Albers, Lyonel Feininger, Walter Gropius, Amédée Ozenfant y Ossip Zadkine, así como representantes del expresionismo abstracto: Franz Kline, Willem de Kooning y Robert Motherwell.

    El Black Mountain College fue lugar de encuentro de artistas, bailarines, arquitectos, músicos y poetas, los que realizaban actividades combinando todas las disciplinas. En ese ambiente fermental el músico y compositor John Cage realizó su primera performance en 1952, y el bailarín y coreógrafo Merce Cunningham fundó la Cunningham Dance Company en 1953. Poco después Rauschenberg comenzó a colaborar con ambos en distintos proyectos. También se relacionó con compañeros de estudios como John Chamberlain, Ray Johnson, Kenneth Noland y Cy Twombly, los que serían reconocidos artistas plásticos.

    Las enseñanzas del Black Mountain College serían de importancia fundamental para el futuro artístico de Rauschenberg. Entre sus primeras obras se cuentan collages y ensamblajes que creó en 1952 durante un viaje por Italia, Francia, España y el norte de África, que realizó acompañado por Cy Twombly, con quién había iniciado una relación sentimental. En los pequeños ensamblajes, a los que dio el título común Scatole Personali (Cajas personales), reunió todo tipo de objetos y materiales que iba encontrando a lo largo de su ruta, una forma de trabajo que iba a desarrollar durante los años siguientes. 

CREANDO COMBINES. Después de su regreso a Nueva York en 1953, Rauschenberg se estableció en un taller en Fulton Street, donde realizó una obra de carácter programático, de negación práctica del expresionismo abstracto: Erased de Kooning Drawing (Dibujo de de Kooning borrado). Pidió un dibujo a de Kooning – quién se lo cedió conociendo la intención de Rauschenberg – lo borró y expuso el resultado como un obra propia, lo que no se podía negar que fuera. Entre otras obras que creó ese mismo año se cuentan una serie de objetos titulados Elemental Sculptures (Esculturas elementales) que fueron compuestas con materiales encontrados en distintos lugares, nuevas versiones de las obras que había creado en Italia. Un ejemplo es Music Box (1953), una caja de madera atravesada por decenas de clavos, del exterior al interior, con algunas piedras ubicadas en los espacios libres entre los clavos. Demostró su interés por desarrollar ideas relacionadas a la performance al realizar Automobile Tire Print (Impresión de llanta de automóvil, 1953), resultado de la impresión de una llanta entintada de un Ford A – manejado por John Cage – sobre veinte hojas de papel, las que luego fueron montadas sobre una tela de más de seis metros de largo.

    La serie llamada Red Paintings de 1954 incluyó una obra como Yoicks, compuesta por tiras de tela montadas sobre una base, y luego chorreadas con pintura. Dicha serie fue un antecedente inmediato de los combine paintings, un término creado por el propio artista para denominar las obras que creó usando técnicas relacionadas a la pintura, la escultura, el ensamblaje y el collage, y en las que combinó pinturas, dibujos, fotografías y objetos de todo tipo, agrupados de formas totalmente inusitadas. Este nuevo tipo de obra que desafiaba las categorías establecidas, y fue el aporte más destacado de Rauschenberg al arte del siglo XX.

    De los primeros combines el más conocido y reproducido es Bed (1955), compuesto con una sábana, una almohada y una colcha de patchwork, que en parte fueron pintadas con pinceladas de diferentes colores. Rauschenberg contó que estaba continuamente buscando distintas superficies sobre las que pintar, y que se le ocurrió montar la colcha (algo ya hecho, un tipo de ready-made) y los otros componentes sobre una base para pintarlos y luego poder colgarlos en la pared. El tratamiento espontáneo de las pinceladas y los chorros de color puede ser visto como un comentario sobre el expresionismo abstracto, movimiento del que Rauschenberg renegaba, pero que también tenía como referencia, aunque con la inclusión de objetos cotidianos se ubicaba en un contexto totalmente diferente.

    Entre los combines más significativos que creó a mediados de los años 50 se cuentan Minutiae (1955), Monogram (1955-58), Untitled (1954) y Odalisk (1955). El primero fue compuesto como escenografía para un ballet de Merce Cunningham, con elementos despegados de la pared, característica que se iría acentuando. Monogram es de carácter claramente escultórico, con una cabra con la cabeza pintarrajeada y una llanta de automóvil alrededor del cuerpo, parada sobre una base con elementos pegados y motivos pintados, entre otros: huellas de pies humanos. Untitled y Odalisk contienen, además de aves embalsamadas, una serie de elementos autobiográficos (objetos y fotografías del artista y su familia) que cubren distintas superficies en forma de collage combinado con pintura. Varias de las referencias se relacionan con el desnudo, el género y la sexualidad, por ejemplo una pata de mueble que atraviesa una almohada. Según Paul Schimmel, en el catálogo Robert Rauschenberg: Combines (Schimmel) de la exposición del mismo nombre en el Metropolitan Museum de Nueva York en 2005, ambas obras, que contienen elementos referidos a lo masculino y lo femenino respectivamente, pueden ser vistas como mitades de un autorretrato de la personalidad del artista.

    Hacia fines de los 50 los combines volvieron a ser apoyados en la pared, telas que incluyen objetos tridimensionales, que también pueden colgar de las pinturas, o estar apoyados en el piso bajo las mismas: Canyon (1959), Winter Pool (1959), Black Market (1961) y First Landing Jump (1961) son algunos ejemplos. Rauschenberg creó combines durante los años en que mantuvo su relación con Jasper Johns. Tenían sus talleres en un edificio en Pearl Street, se veían a diario, y se apoyaban y criticaban mutuamente en un fecundo diálogo. A pesar de ciertas diferencias, ambos coincidían en referirse a lo cotidiano, en el caso de Johns por medio de motivos como números, mapas y banderas de Estados Unidos. En cuanto a los objetos cotidianos Rauschenberg comentó: “Realmente me dan pena las personas que piensan que cosas como jaboneras, espejos, o botellas de Coca Cola son feas, ya que están rodeados de cosas similares durante todo el día, lo que debe hacer que se sientan miserables.” Un aspecto del neodadaismo por el que tanto Rauschenberg como Johns fueron considerados precursores del pop art.

ICONOS CONTEMPORÁNEOS. Hacia fines de los 50 Rauschenberg comenzó a interesarse por distintos métodos que le permitieran transferir imágenes de un soporte a otro. Primero inventó una técnica para transferir imágenes impresas de diarios y revistas: aplicaba un disolvente a las imágenes elegidas, y luego de que las tintas estuvieran algo disueltas colocaba las imágenes sobre un papel y las frotaba con una birome vacía. Usó ese método cuando realizó dibujos como Cunning-Hanger (1959) y una serie titulada 34 Drawings for Dante’s Inferno (34 dibujos para el Infierno de Dante, 1960), que debido al carácter de la técnica resultaron imágenes algo difusas, pálidas, casi transparentes.

    Después continuó con la investigación de métodos para transferir imágenes fotográficas a tela, para poder usarlas como base de su pintura. Buscó ayuda de profesionales en técnicas de impresión industrial, y alentado por Tatyana Grossman, en cuya empresa Universal Limited Art Editions ya realizaba grabados, comenzó a utilizar la técnica de silkscreen, o serigrafía. Ésta, basada en una trama muy fina con zonas cubiertas – o “enmascaradas” –  que no permiten el paso del color, era hasta entonces sólo usada en el ámbito comercial. El uso de la serigrafía con fines artísticos estaba simultáneamente siendo desarrollado por Andy Warhol, quién comenzó como dibujante de avisos comerciales, y pocos años después se convirtió en el icono indiscutido del surgente pop art.

    Rauschenberg comenzó a realizar pinturas con imágenes serigrafiadas en 1962. Así como había incorporado en sus ensamblajes y combines objetos encontrados, se valió del mismo recurso para incorporar imágenes “encontradas”. Sus fuentes principales fueron los medios de comunicación, libros de historia de arte, y – cuando no encontraba imágenes adecuadas – fotografías tomadas por él mismo, las que usaba como material preparatorio, ya que no acostumbraba dibujar bocetos de las obras que planeaba realizar. Los medios mecánicos de transferir fotografías a tela le dieron gran libertad para combinar imágenes, repetirlas, cubrirlas con color una vez que comenzaba a pintar las telas, e incluso usar la misma imagen en distintas obras.

    La elección de imágenes de diarios y revistas conectaron las obras serigrafiadas directamente con el entorno, un carácter de crónica de la realidad de Estados Unidos de los años 60. En el torrente de imágenes se ve una galería de personajes que incluye entre otros a John F. y Robert Kennedy, Martin Luther King y Janis Joplin, así como elementos tan dispares como monumentos, pájaros, automóviles, astronautas, señales de tráfico, fotos de edificios y calles, etc. Las referencias son múltiples, por ejemplo incluyó en Tracer (1963) un águila y unos helicópteros junto a la reproducción de una obra de Pieter Paul Rubens con una mujer desnuda mirándose en un espejo, posibles comentarios sobre los símbolos nacionales, la intervención en Vietnam, y el reflejo de la propia imagen. En Express (1963) incluyó imágenes referidas a la acción: una figura repetida de un jinete saltando una valla, un barco que pasa bajo un puente, alpinistas trepando, un grupo de bailarines en movimiento, y la figura repetida de una mujer desnuda que desciende, una posible referencia tanto a las conocidas series de figuras humanas en movimiento del fotógrafo Eadweard Muybridge como a la obra Desnudo descendiendo una escalera (1912) de Marcel Duchamp.

    En 1962, ayudado por los profesionales de Universal Limited Art Editions, Rauschenberg comenzó a experimentar con técnicas gráficas que no había usado hasta entonces, entre otras la litografía, y sólo un año más tarde ganó el Gran Premio de la Exposición Internacional de Grabado de Ljubljana en Yugoslavia. En 1964 fue el primer artista de Estados Unidos que recibió el Gran Premio de la Bienal de Venecia, lo que acrecentó aún más su creciente reputación internacional.

PERFORMANCES Y TECNOLOGÍA. Durante los años 50 Rauschenberg había diseñado escenografías, vestuarios e iluminación para las compañías de danza de Merce Cunningham y Paul Taylor. Simultáneamente con la creación de las telas serigrafiadas a comienzos de los 60, realizó una nueva serie de actividades relacionadas al mundo del teatro, la danza y la performance – combinando elementos de varias disciplinas – cuando se relacionó con el Judson Dance Theater, un colectivo de bailarines y artistas. Como en sus obras plásticas, incorporó lo cotidiano y lo inesperado: los bailarines realizaban movimientos comunes, la escenografía podía estar compuesta por objetos encontrados o combines, mientras que la acción en algunas ocasiones prácticamente no se diferenciaba de la vida real.

    La primera performance para la que concibió una coreografía propia fue Pelican (1963), en la que los participantes – entre ellos el propio Rauschenberg – usaban patines y se desplazaban llevando casco y una suerte de paracaídas en la espalda. Todo acompañado por una composición de sonidos de bocinas, grillos y teléfonos. Otras de sus performances fueron Elgin Tie (1964), con un actor colgado de cuerdas sobre el escenario, y Linoleum (1966), en la que junto a los actores participaban varias gallinas vivas.

    Guiado por la idea de combinar arte y tecnología creó en 1966, en colaboración con el ingeniero Billy Klüver, investigador de Bell Telephone Laboratories, la fundación Experiments in Art and Technology (E.A.T.). Unos años antes ya había incluido lámparas y radios en sus combines, pero con la colaboración de ingenieros y otros especialistas pudo realizar obras con elementos tecnológicos más avanzados, por ejemplo integró luz, sonido y movimiento en obras multidisciplinarias como Oracle (1965) y Soundings (1968). Su interés por la fotografía también pudo desarrollarlo gracias a la colaboración con profesionales, entre otros miembros de la Trisha Brown Company. Eso desembocó en proyecciones de sus propias fotografías en blanco y negro en la ambientación de Glacial Decoy (1979), y proyectos fotográficos como In + Out City Limits (1981), Chinese Summerhall (1983) y Photems (1991).

PINTANDO POR EL MUNDO. En 1970 Rauschenberg se mudó de Nueva York a Captiva, isla de la costa oeste de Florida, donde unos años más tarde construyó varios espaciosos talleres. Su curiosidad por experimentar con nuevos materiales y técnicas parece no haber tenido límites. Lo mismo puede decirse de su inventiva. A fines de los 60 había combinado litografía y serigrafía en la misma obra, e imprimió las litografías más grandes hechas hasta ese momento: Booster (1967) midió 181 x 89 cm. Durante los 70 realizó una serie de obras serigrafiadas sobre telas muy delgadas que no estiró en bastidores, sino que las colgó directamente sobre la pared, en algunos casos en grupos, unas parcialmente sobre otras. Así consiguió dar un aspecto etéreo, con transparencias muy sugestivas, a obras como Mint (1974), Preview (1974) y Night Hutch (Hoarfrost) (1976).

    En 1984, hacia el fin de la Guerra Fría entre los dos bloques que dominaban la política mundial, Rauschenberg anunció en las Naciones Unidas el lanzamiento de un proyecto internacional de intercambio cultural – financiado por él mismo – que llamó Rauschenberg Overseas Culture Interchange, o ROCI (pronunciado “Rocky”). La idea básica era la visita del artista a varios países en los que planificaba crear obras que integraran elementos de las culturas locales, con el objetivo de fomentar “el entendimiento y la paz mundiales”. Las obras producidas serían mostradas en museos del país anfitrión, o en otros de los países incluidos en la gira. El proyecto era controversial, especialmente en sus aspectos políticos, y hasta llegó a ser denunciado como ejemplo de imperialismo cultural. Rauschenberg fue criticado desde distintas tiendas políticas, tanto por incluir en su gira países comunistas, como por trabajar en Tibet (visto como una crítica al régimen de Beijing), o en Chile (gobernado entonces por Augusto Pinochet).

    Durante siete años Rauschenberg realizó proyectos artísticos de distinto tipo en Cuba, México, Chile, Venezuela, China (Beijing y Lhasa en Tibet), República Democrática Alemana, Unión Soviética, Japón y Malasia.

    El resultado fue una serie de obras consideradas entre las mejores realizadas por el artista, en total 125 dibujos, pinturas, objetos, fotografías, videos y trabajos en multimedia, que fueron expuestas en la National Gallery of Art en Washington, D.C. en 1991 junto a un grupo de obras producidas para el proyecto en Estados Unidos (ROCI USA).

    Durante los años 90 Rauschenberg, ayudado por una serie de asistentes, continuó dirigiendo nuevos proyectos y probando técnicas como el neon, el que usó en Riding Bikes (1998), una obra encargada para un proyecto de arte público realizado en la Potsdamer Platz de Berlín. No dejó de trabajar ni aún después de haber sufrido un ataque de hemiplejia que le paralizó el lado derecho del cuerpo en 2002; entonces aprendió a utilizar en mayor grado la mano izquierda. A los 82 años, pidió que no le siguieran dando ayuda médica, último acto de una fantástica carrera.

El País Cultural. No. 1003, 30 de enero de 2009, Montevideo, Uruguay.

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