Willem de Kooning en el MoMA de Nueva York. Más allá del expresionismo abstracto

Pedro da Cruz

 

El Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York muestra actualmente “de Kooning: a Retrospective”, una gran exposición retrospectiva del pintor de origen holandés Willem de Kooning (1904-1997), la más completa hasta el presente. Son cerca de doscientas obras que cubren un periodo de siete décadas, de las primeras pinturas que el artista realizó cuando tenía doce años, a las últimas obras que realizó en 1990.

Excavation, 1950

    De Kooning fue una de las principales figuras del expresionismo abstracto, corriente que dominó la escena artística de Estados Unidos durante la década de 1950. El núcleo del movimiento, también conocido como Escuela de Nueva York, estuvo conformado por de Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Arshile Gorky y Franz Kline. Un rasgo común de estos artistas fue el uso de una gestualidad de tipo expresivo, aunque las obras respectivas muestran diferencias notorias, producto de inconfundibles características individuales.

    Con motivo de la exposición fue publicado De Kooning: a Retrospective, un imponente catálogo de quinientas páginas con cientos de reproducciones. El ensayo de introducción fue escrito por John Elderfield, Curador Jefe Emérito de Pintura y Escultura del MoMA, también responsable de la muestra. Siguiendo un desarrollo cronológico, los sucesivos capítulos, escritos por curadores y especialistas del museo, están dedicados a las características de las obras producidas por de Kooning durante distintos periodos de su carrera. El catálogo también incluye detallados estudios de las técnicas usadas por el artista en algunas de sus obras, así como una cronología exhaustiva que recoge todos los aspectos de la actividad artística y privada de de Kooning.

LOS COMIENZOS. Willem de Kooning nació en abril de 1904 en Rotterdam, Holanda. En 1916, con doce años, ingresó como aprendiz en la reconocida firma de diseño y decoración Gidding & Zonen, en la que durante cuatro años aprendió y aplicó una serie de técnicas de imitación de materiales. En esta época realizó sus primeras pinturas, naturalezas muertas que aún se conservan. En 1917 comenzó a concurrir a los cursos dela Academia de Bellas Artes y Ciencias Aplicadas de Rotterdam. Trabajó como pintor de letras e ilustrador, y en 1923-24 pasó cortos periodos en Amberes y Bruselas.

    En 1926 viajó a Estados Unidos junto a su amigo Leo Cohan. Luego de llegar a Nueva York como inmigrante ilegal, comenzó a realizar trabajos temporarios como pintor comercial y pintor de paredes. Un año más tarde se relacionó como freelance con la firma de diseño y decoración Eastman Brothers.

Woman I, 1950-52

    A fines de los años ’20 de Kooning pintó las primeras obras que realizó en Estados Unidos. Asiduo visitante a exposiciones, fue influido por las obras de Matisse y de Chirico. Poco después trató de sintetizar el estilo de ambos artistas en pinturas que se mantuvieron en el límite entre la representación y la no figuración, como Still Life (1929), en la que algunos objetos (una sombrilla y una escalera) son vistos en un espacio indefinido entre volúmenes prismáticos.

    Entre los primeros colegas con los que trabó amistad se contaron los pintores John Graham y Arshile Gorky, emigrados de Rusia y Armenia respectivamente, así como el modernista estadounidense Stuart Davis. En 1935 se integró al Federal Art Project (FAP), parte del New Deal, el programa creado por el presidente Franklin D. Roosevelt para combatir los efectos de la depresión que siguió al crack económico de 1929.

    A mediados de los años ’30 de Kooning fue influido por el modernismo derivado del cubismo de Davis, Graham y especialmente Gorky, y a través de ellos por las obras de Picasso y Miró. Esas influencias son evidentes en los estudios para proyectos de pintura mural que realizó en 1935-36 en el marco del Federal Art Project, entre otros Study for the Williamsburg Project (1936), un gouache sobre papel en el que formas geométricas aparecen combinadas con elementos de carácter orgánico.

PINTURA EXPRESIONISTA. Las primeras obras decididamente figurativas pintadas por de Kooning entre 1937 y 1944 tuvieron como motivo imágenes de hombres, prácticamente las únicas imágenes de hombres que pintó en toda su carrera. En 1940 comenzó una serie de pinturas con imágenes de mujer, varias inspiradas por Elaine Fried, que había conocido hacia 1938, y con quién se casó cinco años más tarde. Simultáneamente pintó obras no figurativas que evocaban interiores.

    A comienzos de los años ’40 comenzó a reunirse el grupo de artistas que luego serían considerados expresionistas abstractos. En 1936 de Kooning ya había encontrado a Mark Rothko. En 1942 conoció a Jackson Pollock, con el que iba a desarrollar una amistad que estuvo marcada por una sutil rivalidad, y poco después a Franz Kline, que se convertiría en uno de sus más íntimos amigos. En 1945 Pollock realizó su segunda exposición individual, y comenzó a destacarse en el grupo de artistas emergentes. De Kooning evocó luego esa época: “Pollock era el líder. Fue el primero en ser reconocido. (…) Había llegado mucho más lejos que yo. Yo todavía estaba buscando mi camino.”

    Hacia 1945 de Kooning comenzó una nueva serie de interiores y exteriores abstractos con fragmentos anatómicos y elementos de arquitectura. Durante un par de años continuó trabajando con estos motivos y, paralelamente, inició una nueva serie de obras con figuras de mujer, varias de ellas tituladas simplemente Woman (1948-50). En 1948 realizó en la Charles Egan Gallery su primera exposición individual con composiciones no figurativas en blanco y negro. Estos trabajos resultaron en que su reputación como un influyente expresionista abstracto quedara establecida. En esta época pintó Excavation (1950), un enorme lienzo casi monocromo basado en formas de papeles recortados que luego recreó en pintura, y que sería considerada una de las obras más importantes de su carrera.

    Las obras del artista comenzaron a ser incluidas en importantes exposiciones colectivas. Aparece en numerosas críticas de prensa y revistas especializadas y su obra es difundida gracias al apoyo del director del MoMA Alfred H. Barr y del influyente crítico Clement Greenberg, que consideró el expresionismo abstracto el movimiento más importante de mediados del siglo XX. En diciembre de 1952 el crítico Harold Rosenberg publicó en Artnews el artículo “The American Action Painters”, en el que acuñó el término action painting para caracterizar el trabajo de los expresionistas abstractos, especialmente el de Jackson Pollock. Rosenberg escribió: “… la tela se transforma en una arena en la que actuar.”, y también afirmó que lo que se desarrollaba en la tela no era una imagen sino un evento.

Two Figures in a Landscape, 1967

    En junio de 1950 de Kooning comenzó a pintar Woman I (que terminaría dos años y medio más tarde), un cambio muy importante en su carrera, ya que estuvo basada en una práctica pictórica más improvisada, una suerte de liberación de la impronta cubista. Después de un año comenzó a trabajar con otras cinco obras de motivo similar, y cuando el artista mostró la serie en 1953 las telas causaron sensación por su intenso carácter expresivo. Las figuras no muestran un tratamiento realista, sino que sus características (rostros con ojos muy abiertos y bocas entreabiertas que muestran grandes dientes) las apartan de cualquier ideal de “belleza”.

    Una medida de la importancia dada a esas obras de de Kooning es el hecho de que el director del MoMA compró Woman I poco después de que fuera terminada. Los llamados “paisajes urbanos abstractos” que siguieron a la serie de mujeres tuvieron un gran éxito de crítica y, a comienzos de 1956, de Kooning fue considerado el pintor más influyente del momento. La muerte de Pollock unos meses más tarde, a causa de un accidente automovilístico cuando el artista manejaba alcoholizado, convirtió a de Kooning en el líder indiscutido del expresionismo abstracto.

VARIACIONES. En 1959 de Kooning viajó dos veces a Italia. En Roma, en el taller del artista Afro, realizó trabajos con esmalte negro aplicado con una brocha de pared sobre papeles extendidos en el piso. El resultado fue una serie que incluye Black and White Rome T., Black and White Rome S. y Black and White Rome M. De Kooning ya había realizado trabajos en blanco y negro a fines de los años ’40, y dibujos caligráficos en tinta durante los ’50. Estos nuevos trabajos acercan su obra a la de Pollock, que chorreaba las telas extendidas en el piso con sucesivas capas de color, y a la de Kline, que pintaba con gruesos trazos negros sobre fondos blancos.

The Cat's Meow, 1987

    A pesar de la incursión en lo monocromo, lo más característico de la obra de de Kooning es el uso del color, que utilizó en combinaciones no convencionales que caracterizan un estilo muy personal. Hacia 1960 el artista comenzó una serie de pinturas conocidas como los “abstract pastoral landscapes” que, entre otras, incluyó Door to the River (1960), así como Rosy-Fingered Dawn at Louse Point y Pastorale, ambas de 1963. Las obras fueron realizadas en gran formato (más de dos metros de altura) y una paleta dominada por blancos y amarillos.

    A comienzos de 1963 de Kooning abandonó Nueva York, donde había vivido casi cuarenta años, y se radicó en Springs, una localidad de Long Island donde construyó una vivienda-taller. Según el artista, la vida de la ciudad, con su agitada vida social de continuas inauguraciones y fiestas de artistas, interrumpía su trabajo. 

NUEVAS DIRECCIONES. Hacia fines de los años ‘60 de Kooning se interesó sorpresivamente por la escultura y la gráfica. Nunca había esculpido, y su experiencia en gráfica era limitada, pues había realizado unos pocos trabajos gráficos en 1960 y en 1966. El trabajo con la escultura comenzó de casualidad en 1969, cuando encontró en Roma al escultor Herlz Emanuel, un antiguo amigo. En el taller de éste realizó una serie de pequeñas figuras en barro, de entre diez y treinta centímetros de altura, y antes de abandonar Roma autorizó a Emanuel a fundir trece de las figuras en bronce. Las pequeñas esculturas, todas sin título, representan figuras humanas, pero el material fue utilizado con una expresividad tal que las aleja de representaciones realistas. En 1972-74 de Kooning realizó esculturas similares pero en mayor tamaño, algunas de tamaño natural, las que también fueron fundidas en bronce.

    El retorno a la gráfica en 1970 se debió a las impresiones recibidas durante un viaje a Japón, donde estudió trabajos de caligrafía y otras técnicas relacionadas al uso de tinta y pincel. En los meses siguientes realizó en el Hollander Workshop, un taller fundado por Irwin Hollander, una serie de veinte litografías (usó tanto piedras litográficas como planchas de metal) con una escala de motivos que variaron de lo no figurativo a cierta figuración. En algunos casos los procedimientos usados resultaron en que lo gráfico se acercara a lo pictórico, como en The Marshes y Wah Kee Spare Ribs.

    Luego de las incursiones en las áreas de la escultura y la gráfica, De Kooning volvió a dedicarse exclusivamente a la pintura en 1975. Dos años más tarde comenzó una serie de obras que el crítico David Silvestre caracterizó como “paisajes del cuerpo”, composiciones en las que combinó elementos abstractos, paisajes y el cuerpo femenino. Se basó simultáneamente en bocetos recientes de figuras humanas y en fotografías de dibujos de años anteriores, material que agrandó proyectándolo sobre telas de hasta dos metros y medio de altura. La mayoría de las obras de esta serie no fueron tituladas, con excepción de Whose Name Was Writ in Water.

    En esa época de Kooning sufrió el agravamiento de síntomas causados por un alcoholismo que durante muchos años lo había obligado a buscar ayuda profesional, e incluso a estar internado en clínicas especializadas en varias ocasiones. Intermitentemente comenzó a perder la memoria cercana, y durante cortos periodos necesitaba ayuda en la vida diaria. Esto provocó que a fines de los años ’70 el ritmo de su producción artística disminuyera considerablemente.   

ÚLTIMAS PINTURAS. Una vez curado de su alcoholismo a comienzos de los ’80, de Kooning retomó la pintura con obras dominadas por un nuevo tipo de motivo: gruesas “cintas” oscuras de carácter orgánico que separan áreas con enérgicas pinceladas de tonos claros, como en Untitled V y Untitled XII, ambas de 1982. Las obras del año siguiente muestran un importante cambio: grandes áreas pintadas con variaciones de blancos son cruzadas por cintas más delgadas que las anteriores, a las que se suman finas líneas que prácticamente transforman las superficies en espacios en los que no hay presencia de figuración. Las obras sin título son identificadas por números, por ejemplos Untitled II y Untitled VI, ambas de 1983.

    Este estilo anticipa un nuevo tipo de composición que de Kooning utilizó en 1984-85, con muy pocos elementos que en su mayoría tienen un carácter lineal y gráfico. A pesar de los problemas de salud, 1985 fue uno de los años más productivos de la carrera de de Kooning: pintó sesenta y tres obras. Pero poco después su trabajo comenzó nuevamente a verse muy limitado por crecientes dificultades físicas y mentales, por lo que simplificó drásticamente su forma de trabajar. Dejo de lado la práctica de trabajar una obra en etapas sucesivas (Woman I le había requerido dos años y medio de trabajo) y comenzó a realizar lo que serían dibujos a color de gran formato, algunos limitados al rojo y el azul, y otros con combinaciones de amarillos y blancos.

    Entre sus obras tardías se cuentan las que conforman una serie realizada en 1986-87, con obras basadas en líneas de color que evocan paisajes con follaje y sinuosas figuras, por ejemplo Conversation y The Cat’s Meow, ambas de 1987. Dos años más tarde de Kooning fue declarado mentalmente incapaz. En 1990 realizó seis obras, las últimas que pintó. Siete años más tarde falleció en su vivienda-taller de Springs a los noventa y dos años.

 

El País Cultural. No. 1148, 9 de diciembre de 2011, Montevideo, Uruguay.

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